Peggy Guggenheim .Una de las Mecenas Artísticas más influyentes del siglo XX

Peggy Guggenheim (Nueva York, 26 de agosto de 1898 - Padua, 23 de diciembre de 1979) Coleccionista y mecenas de arte estadounidense. Una de las mecenas artísticas más influyentes del siglo XX

Peggy Guggenheim  fue la tercera esposa del pintor surrealista Max Ernst.

Su pasión por el arte, le vino de su familia de magnates judío —alemanes. Su tío-abuelo Solomon había fundado el MoMA de Nueva York; su padre Benjamin murió en el Titanic, llevando en su equipaje un boceto de Las Señoritas de Avignonde de  Picasso en cuya compañía se fue al fondo del mar.

Guggenheim, reunió una colección de arte moderno inigualable a partir de finales de la década de 1930 en el París y el Londres prebélico. Apoyó los tres movimientos artísticos más importantes de los últimos cien años: el cubismo, el surrealismo y el expresionismo abstracto

En Londres montó la galería  Guggenheim Jeune, asesorada por Marcel Duchamp, Jean Cocteau y el crítico Herbert Read, quienes la animaron a invertir su herencia de un millón de dólares en pintura de vanguardia, que ni entendía ni le gustaba. Con los primeros vientos de la II Guerra Mundial se propuso comprar un cuadro cada día y adquirió piezas de Picasso, Braque, Matisse o Miró a precios irrisorios.

Continuó coleccionando durante la Segunda Guerra Mundial ya en Nueva York, donde tuvo que regresar a causa de su origen judío.

En Nueva York  ofreció su indispensable apoyo a la emergente escuela americana de Expresionismo Abstracto desde su galería-museo Art of this Century. Al acabar la guerra, en 1947, se trasladó a Venecia donde consolidó su colección de arte y vivió hasta su muerte, en 1979.

Peggy Guggenheim ayudó  a los artistas que después pasarían a ser imprescindibles en el arte del siglo XX.  Convocó  exposiciones de la obra de Cocteau, de Wassily Kandinsky Yves Tanguy, Wolfgang Paalen y otros artistas, tanto famosos como emergentes. Peggy Guggenheim convocó a exposiciones de collage y escultura, con la participación de artistas como Antoine Pevsner, Henry Moore, Alexander Calder, Raymond Duchamp-Villon, Constantin Brancusi, Jean Arp, Max Ernst, Pablo Picasso, Georges Braque y Kurt Schwitters. John Tunnard  o autores como Piet Mondrian, Marcel Duchamp, James Joseph Sweeney y James Thrall Soby y Jackson Pollock.

Su vida personal fue también una leyenda, se dice de ella que devoraba a los hombres según el método de usar y tirar, sobre todo a los pintores que pasaban por su galería. Aunque se cuenta que tuvo un amorío que le costó conseguir con el escritor Samuel Beckett. Sin embargo, según su biógrafa Mary Dearborn, Peggy Guggenheim tenía un fuerte complejo de inferioridad, que tenía dos causas principales: su nariz aguileña y sus raíces judías. Esto provocó que muchas veces Peggy fuera abusada tanto física como psicológicamente sin que ella hiciera nada para impedirlo sobre todo con su primer marido Laurence Vail

Peggy Guggenheim  se relacionó con  Isadora Duncan, Man Ray Cocteau, Hemingway, Pound, Gide, Tristan Tzara y varios dadaístas, Ezra Pound, Natalie Barney, Jules Pascin  Marcel Duchamp, Mary Reynolds, Djuna Barnes y hasta se relacionó con la mismísima Emma Goldman.

 

Poco antes de morir, Peggy escribió: "Veo hacia atrás en mi vida con gran alegría. Creo que fue una vida muy exitosa. Siempre hice lo que quise y nunca me importó lo que los demás pensaran. ¿Liberación de la mujer? Yo era una mujer liberada antes de que hubiera un nombre para eso."

Niki de Saint Phalle. Escultora, pintora y cineasta

Niki de Saint Phalle (Neuilly-sur-Seine, 29 de octubre de 1930 - California, 21 de mayo de 2002) Escultora, pintora y cineasta francesa.

En 1933, la familia se trasladó a Estados Unidos

En  su adolescencia, fue modelo.

En 1961 presenta su primera gran exposición: Tiros con carabina, pinturas en relieve en las que se invitaba a los espectadores a disparar contra globos llenos de pintura que, al romperse, corría sobre los lienzos.

En 1962 participó en la exposición "El arte del montaje" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1964 comienza a realizar una serie de obras titulada "Nanas", que constaba de figuras femeninas de formas voluptuosas y vivos coloridos.

En 1966 realiza la escultura de cuerpo de mujer más grande de la historia del arte, que también formaba parte de la serie "Nanas" y cuyo título fue "Hon" ("Ella" en sueco).

Fue instalada en la Moderna Musset de Estocolmo, bajo secreto ya que suponía un acto bastante revolucionario teniendo en cuenta la época en la que la realizó.

Se entraba al interior de la escultura a través de la vagina, dentro del cuerpo había una serie de instancias con curiosidades que entretenían al público, y más adelante una escalera por donde se subía a la tripa de la escultura, y desde donde se veía todo. La escultura estaba decorada exteriormente por vivos colores, al típico estilo de la autora.

Resultó tan revolucionaria que a los pocos días de abrirla al público, clausuraron la exposición.

En 1979 empieza a construir un parque de esculturas, "El jardín del tarot", situado cerca de Florencia. 

En 1982 lleva a cabo, junto a su marido, también escultor y pintor, Jean Tinguely la "Fontaine Stravinsky" o Fuente de los autómatas, situada junto al Centro Pompidou en París.

Niki de Saint Phalle fue una mujer excepcional que supo construir una obra de una rara originalidad.

Mary Blair. Ilustradora

Mary Blair (McAlester, Oklahoma, 21 de octubre de 1911 – Soquel, California, 26 de julio de 1978) Artista estadounidense destacada por el trabajo que realizó para The Walt Disney Company.

Blair produjo los impresionantes conceptos artísticos de películas como Alicia en el país de las maravillas, Peter Pan, Canción del sur y La Cenicienta. 

Blair también creó diseños para personajes de varias atracciones de los parques de Disney como It's a Small World (Es un mundo pequeño), la escena de fiesta en El Río del Tiempo en el pabellón de México en el World Showcase de Epcot, y en un enorme mosaico en el interior del Contemporary Resort de Disney. 

Tras la finalización de Peter Pan, Mary renunció a Disney y trabajó como diseñadora gráfica e ilustradora, la creación de campañas publicitarias para empresas como Nabisco, Pepsodent, Maxwell House, Beatrice Foods, entre otros.

También ilustró varios libros de Oro a la editorial Simon & Schuster, algunos de los cuales permanecen en impresión hoy en día, y diseñó decorados de Navidad y de Pascua para Radio City Music Hall.

Varios de sus libros ilustrados para niños de la década de 1950 siguen siendo editados, como I can fly (Puedo volar), por Ruth Krauss.

A petición de Walt Disney, que respetaba su sentido innato de estilo de color, Mary comenzó a trabajar en la atracción es un mundo pequeño. La atracción principal era originalmente un pabellón de Pepsi-Cola patrocinado por beneficio de UNICEF en La Feria Mundial de 1964 en Nueva York.

Mientras que su arte fuera de Disney es poco conocido, su audaz e innovador diseño de color todavía sirve como una inspiración para muchos de los diseñadores contemporáneos y animadores de hoy.

Premios:

En 1991, Mary fue reconocida con el premio póstumo Leyenda Disney.

En 1996, también póstumamente, recibió el premio Winsor McCay de ASIFA-Hollywood

Louise Bourgeois. “El miedo es dolor».

 Louise Bourgeois (25 de diciembre de 1911 – 31 de mayo de 2010) Artista y escultora francesa nacionalizada estadounidense.

Conocida por sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de "Mujer Araña", es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo.

Fundadora del Arte Confesional, sus obras están catalogadas como sugestivas de la figura humana, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad.

Su trabajo es puramente autobiográfico y estaba inspirado en su trauma de la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su niñera.

Su escultura arácnida más grande se titula Maman y ha sido exhibida en numerosos lugares del mundo, con una altura de más de 9.27m.

En la década de 1940, después de haberse mudado a Nueva York con su esposo, Robert Goldwater, se inclinó por la escultura.

Louise Bourgeois ha dicho de su trabajo: “Me dedico al dolor para dar sentido y forma a la frustración y el sufrimiento. No puedo hacer desaparecer el dolor. Ha venido para quedarse” .

En los últimos 20 años de su vida ha hecho más de 60 estructuras espaciales para contar las oscuridades de una vida.

Las Celdas son autorretratos que cuentan su época más áspera y oscura. El miedo es el tema. Y el miedo es libre. Lo puede traer un crujido a destiempo. El ladrido de un perro en medio de la bruma donde ya no hay espigón. Luego están los miedos de la vida, que son los de la muerte. 

Bien lo sabía Louise Bourgeois: muere la gente y no sabes qué preguntas hacerte ni qué respuestas serás capaz de darte. Eso da miedo. Bien lo sabía aquel pájaro de ala quebrada, alguien volcánico y depresivo con pulsiones suicidas (lo intentó dos veces, la primera cuando murió su madre en 1932, la segunda cuando su padre, que encima se acostaba con la institutriz, quiso casar a Bourgeois con un amigo suyo.

“Tenía sus problemas sicológicos, claro, mucha ansiedad, temores, miedos, depresiones y un gran sentimiento de culpabilidad por no ser buena madre… pero sabía que el arte le ayudaba a sobrevivir, todo su proceso creativo, no solo las celdas, eran una terapia” “Una artista que nunca hizo cosas para el público… sino para ella misma” han dicho de ella.

Días negros, La destrucción del padre, Sin salida, Arco de histeria, Pasaje peligroso, El confesionario… son títulos que no dejan resquicio a la duda en esta peregrinación por entre las estructuras de acero, vidrio, madera, tela, látex, mármol, resina o trozos de espejo. Todo resulta tétrico y, a la vez, extrañamente plácido. La soledad, el abandono, la inseguridad, lo ido, el daño, la memoria, el dolor intenso, quién sabe si la curación. Todo está en sus obras.

Cuesta creer que lo temible pueda resultar poético. Pero en las salas oscuras las guillotinas, los reclinatorios, las prótesis, las puertas, camas y sillas desvencijadas (muchas de ellas recuperadas de vertederos o escombreras), los frascos de perfume —en su caso, siempre Shalimar de Guerlain— y las aberturas por donde asomarse como un voyeur… surgen como estrofas de un poemario maldito. Un poco hay de Baudelaire y un mucho de Duchamp y Bacon. Tampoco olvidemos a Freud.

Es el universo de Louise Bourgeois, un espejo en el que nadie querría mirarse. Ella sí. Amó a su madre muerta (de ahí el útero vacío como tema constante), quiso matar al padre aunque nunca aparcó el complejo de Electra. También quiso, como hemos dicho antes, matarse a sí misma. Quedan sus obras como testimonio de una desolación. También como la demostración empírica de un caerse y levantarse. Celdas-refugio, celdas-cárcel, celdas-psiquiátrico. La curación por el arte. O el anhelo de ello.

Fuente: Wikipedia, ABC, ElPaís

Tamara de Lempicka.

Tamara de Lempicka (Varsovia, Polonia, 16 de mayo de 1898 - Cuernavaca, México, 18 de marzo de 1980) Pintora polaca de estilo Art déco .

Tamara de Lempicka es una mujer revolucionaria y adelantada a su tiempo, un tanto frenética y frívola en sus decisiones pero autónoma y creativa sin límites dentro de un mundo regido e administrado por hombres.

Es única y fascinante: "Entre un centenar de pinturas se puede reconocer la mía, mi objetivo era que: no se puedan copiar, tengan un nuevo estilo con colores claros y brillantes, y le devuelvan la elegancia a los modelos". De Lempicka destacó por la belleza de sus retratos femeninos y desnudos

Sus obras combinan un estilo escultórico clásico con el cubismo y muestran a mujeres emancipadas y adelantadas a su tiempo.

Tamara nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter.

En 1910 pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana.

En 1911 hace con su abuela un viaje a Italia, donde descubre su pasión por el arte. Allí se enamoró del milagro expresivo del renacimiento y entendió que su destino era el arte.

En 1916 se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Łempicki (1888-1951), con quien llevó una vida lujosa hasta que estalló la Revolución de octubre. Tadeusz  fue encarcelado, pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Copenhague.

En 1923 se mudaron a París, donde nació su única hija, Kizette.

Tamara tomó clases de pintura con André Lhote. Más tarde expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill.

En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista.

Más tarde viajaría con su hija a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, su cuadro Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos.

En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón húngaro Raoul Kuffner de Diószegh (1886-1961), un coleccionista de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos.

Allí Tamara acepta casarse con el barón aunque no oculta su orientación bisexual. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas.

En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe.

En 1938 se van a vivir a Beverly Hills.

En 1941 Kizette escapa de París, bajo ocupación nazi, y se va a vivir con su madre.

En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo.

Obra

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos.

Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto.

Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda.

Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos, también retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. También realizó cuadros de flores

Suya, es una pintura con aromas a séptimo arte que merece la pena disfrutar. En la actualidad sus trabajos cotizan al alza, siendo una referencia estética casi obligada dentro de escenarios como el de la moda o la publicidad

Premios y reconocimientos:

Obtiene la medalla de bronce en la Exposición internacional de Bellas Artes de Poznan (Polonia).

Participa en el Salón anual del Instituto Carnegie en Pittsburg (EEUU) y en el Salón de Mujeres Artistas Modernas de París.

Expone en la célebre galería Colette Weil de París.

Afincada en Houston,un año después de fallecer el barón, se instala de manera definitiva en Cuernavaca para que sus cenizas descansen, desde Mayo de 1980, en el fondo del volcán Popocatépetl.

Enlaces:

Biografía y obras de Tamara de Lempicka

https://www.youtube.com/watch?v=n7YtKRNaQYE

Tamara de Lempicka - Biography

https://www.youtube.com/watch?v=nO6LhGWzXcg

Tamara de Lempicka - Art Déco

https://www.youtube.com/watch?v=UxiUn3ELu_g

Tamara de Lempicka 1

https://www.youtube.com/watch?v=mXJXiOgkg3w

Tamara de Lempicka

https://www.youtube.com/watch?v=ONHRq9WgHT8

Sara Fratini y Sus Mujeres Sin Complejos

Sara Fratini  .Venezuela (1985).   Se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. También estudió en Francia. Actualmente reside entre Italia y España.

Su personaje principal es una chica con curvas, piernas regordetas y el pelo muy, muy largo. Es una chica a la que emocionalmente no le importa nada. ¡Es libre y despreocupada!.

Asegura que no es ella :”Yo lo describiría, más bien, como la chica que me gustaría ser”

“La buena vida”el libro  de Sara Fratini, ha triunfado porque es una chica totalmente normal, con sus curvas, sus complejos, sus miedos, pero también con un desparpajo y una fuerza tremenda para enfrentarse a la vida con ilusión.

El libro “es una oda al optimismo, porque es una recopilación de mis miedos y de mis sueños, pasados por un proceso optimista. Es el resultado de  las charlas conmigo misma”.

No todas las viñetas son positivas. La mayoría son optimistas, pero hay otras que reflejan sus inseguridades. Sara quiere ser sincera consigo misma porque es la única manera de que el mensaje llegue a los lectores.

“He llegado a la conclusión de que lo fundamental es ser sincera con una misma. Así que me hablo a mí misma para superar esos miedos y la gente que los comparte también se siente identificada con el personaje”.

Las mujeres de Sara Fratini son chicas "reales", curvilíneas y sin complejos.

“Dibujo desde pequeña –asegura la ilustradora- Cuando empecé a dibujar para Facebook mis chicas eran más “perfectas físicamente”, pero empezaron a engordar y a tener el pelo más largo y a liberarse de sus complejos. Y de repente eran mucho más líbres”.

“Yo era de las que intentan agradar a todo el mundo, pero eso es imposible. Por eso dejé de hacerlo y esos dibujos me liberaron de tanto estrés y tanta presión. Y así nacieron esas mujeres más naturales y curvilíneas, con mensajes más tranquilos y reposados”.

 

Gracias a eso ha conseguido que sus viñetas sean tan aparentemente sencillas como profundas, y que transmitan el entusiasmo por la vida.

 “También –añade Sara- intento reflejar el lado inocente y soñador de que el mundo puede ser un lugar mejor. Por eso creo que mis dibujos tienen algo de inocencia infantil. Hay que mantener viva la niña interior porque nos da esperanza para seguir adelante”.

“Muchas mujeres aseguran que les dibujo a ellas, que casi somos almas gemelas. Creo que también es muy liberador empezar el día con un mensaje optimista, ya que con tanta presión en el día a día, comenzar con una sonrisa es fundamental”.

Además, Sara es una de las fundadoras y organizadoras de La Guarimba Internacional Film Festival en Amaneta, Italia. Un festival de cortometrajes que incluye según sus palabras, “una escuela de ilustración y una exposición de carteles. Un proyecto con el que hacemos una gira, visitando varios países para promocionar el trabajo de los ilustradores y abrirlo al cine y al arte en general”.

Según nos dice ella :“Hay que perseguir los sueños porque son lo único que nos mantiene vivos. No siempre los consigo, pero el viaje siempre merece la pena. Y a veces consigues cosas completamente distintas de lo que perseguías pero que resultan ser mucho mejores”.

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Nota:

Me gustan tanto sus ilustraciones que he tenido problemas para elegir. Me hubiese gustado  publicarlas todas.