Núria Pompeia.Pionera de los primeros cómics feministas de la cultura occidental.

Núria Pompeia (Barcelona, abril, 1931- 26 de diciembre de 2016

Dibujante, humorista gráfica y periodista. Pionera del movimiento de liberación de la mujer en un contexto completamente adverso: los años 70 en España

En 1967 consiguió vender a una editorial francesa Maternasis, su primer cómic y, probablemente, uno de los primeros cómics feministas de la cultura occidental.

En Maternasis, Núria Pompeia ilustra sin necesidad de palabras el proceso del embarazo, un tema completamente tabú en la época, y marca la línea que seguiría en sus posteriores viñetas, visibilizando desde el humor los problemas de las mujeres de forma crítica.

En una entrevista a la revista Triunfo del año 1973 la autora es catalogada dentro de la corriente de la “ironía desesperada” de la literatura catalana, y se señala su “especial predilección por el tema de la mujer que vive, lucha, sufre y muere en el seno de la burguesía”.

Pompeia defiende el enfoque feminista de sus historias, asegurando que “o te rebelas o te resignas. Si te resignas, es posible que dejes de sufrir… pero a mi esto de la resignación me da mucha angustia”.

Siendo prácticamente la única mujer que se dedicaba al humor gráfico durante los primeros años 70, y considerando su polémica y atrevida consciencia política, cuesta creer que llegara a ser redactora jefa de dos revistas (Por favor y Saber), así como directora de programas para TVE. Pero Pompeia, que creaba su obra como una “necesidad de expresar una visión crítica de la realidad”, luchó con sus viñetas imponiéndose ante una sociedad en la que el rol de la mujer se limitaba a la sumisión y el cuidado.

Si en Maternasis mostró la cara menos agradable de la maternidad, unos años después le tocó al matrimonio en Y fueron felices y comieron perdices (1970). “El fin de la mujer es el matrimonio. Y ella se rebela contra el último término de toda una educación, no contra el hecho en sí de casarse”, explica la autora en relación a La educación de Palmira (1972), una serie de viñetas ilustradas por ella misma y escritas por Vázquez Montalbán bajo el pseudónimo de Manolo V el Empecinado, que muestran el adoctrinamiento por parte de la sociedad a una mujer alienada desde que nace hasta el matrimonio, y su lucidez y rebeldía al decir “no” sobre el altar.

La temática se extiende también a Mujercitas (1975), un conjunto satírico en el que Pompeia contrasta los estereotipos tradicionales de la mujer con la realidad de la lucha feminista, criticando los mecanismos que convierten a la mujer en un ser infantil, pasivo, dependiente y conformista.

Núria Pompeia llegó a colaborar con revistas como la propia Triunfo, Vindicación Feminista, Cuadernos para el diálogo, Charlie Hebdo o Brigitte.

Pero la autora no se limitó al humor gráfico y publicó también ficción literaria, como Cinc cèntims (1981), una colección de historias cortas feministas con títulos como El orden y el matrimonio, Ganemos la libertad o La generación perdida. Uno de los temas de la colección, a parte de la visión del matrimonio como despotismo paternalista, es la decepción del movimiento feminista ante el contexto político y la sucesión de regímenes que venden progreso sin un cambio real.

En palabras de Marika, otra de las más relevantes autoras en la historia del cómic feminista, “la huella pionera de Núria Pompeia abrió una importantísima puerta para todas las mujeres, no sólo para las autoras, sino también para las lectoras”.

Y es que la labor de Pompeia fue esencial para el progreso de la mujer y el movimiento feminista, cuestionando estereotipos que parecían estar cada vez más arraigados y visibilizando la (auto)representación femenina que no tenía hasta entonces espacio en el diálogo masculino.

Ha sido Medalla d’Or de la ciutat de Barcelona al mèrit artístic (2000), Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya (2007), y primer Premio de Honor del Colectivo de Autoras de Cómic (2013).

Texto principal: http://zena.cat/es/nuria-pompeia-la-primera-autora-de-comic-feminista-2/

Marie-Guillemine Benoist.Pintura neoclásica histórica y de género.

Marie-Guillemine Benoist, nacida como Marie-Guillemine de Laville-Leroux (París, 18 de diciembre de 1768 –8 de octubre de 1826) Pintora de estilo neoclásico francesa.

Marie-Guillemine cultivó  la pintura histórica y de género.

En 1781 inició su formación con Élisabeth Vigée Le Brun.

En 1786 comienza a trabajar en el taller de Jacques-Louis David, junto con su hermana Marie-Élisabeth Laville-Leroux.

En 1784, conoció al poeta Charles-Albert Demoustier, quien se inspiró en ella para el personaje de Émile en su obra Lettres à Émilie sur la mythologie (1821).

En 1791 expuso por primera vez en el Salón de París, donde presentó un cuadro de asunto mitológico, Psique despidiéndose de su familia. De la misma época es La Inocencia entre el vicio y la virtud, también inspirado en la mitología, adaptando el tema de Hércules en la encrucijada y reflejando sus inquietudes feministas, pues en él aparece el vicio en forma de varón, papel tradicionalmente ligado a un personaje femenino.

En 1793 se casó con el banquero Pierre-Vincent Benoist. Por los mismos años comenzó a desprenderse de la influencia de David, abandonando los sujetos clásicos por la pintura de género.

Su carrera como pintora de éxito continuó en el Salón de 1800, en el que presentó su Retrato de una negra. Este retrato de una criada de su cuñado, pintado sólo seis años después de la abolición de la esclavitud, se convertirá en un manifiesto a favor de la emancipación de la mujer y las personas de raza negra. El cuadro será adquirido por Luis XVIII para el estado francés en 1818.

En 1803 Napoléon Bonaparte, en aquél momento Primer Cónsul, le encargó su retrato con destino a la ciudad de Gante, recientemente entregada a Francia por el Tratado de Lunéville.

En 1804 recibió una medalla de oro del Salón y obtuvo una pensión gubernamental. También por entonces abrió un taller exclusivamente para mujeres a las que enseñaba pintura.

Con la Restauración, su marido el conde Benoist, monárquico convencido, fue nombrado miembro del Consejo de Estado y ella, al parecer, hubo de abandonar la pintura en la cumbre de su carrera.

Sonia Delaunay . La vanguardia artística de principios del siglo XX.

Sonia Delaunay (Hradyzk, Ucrania, 14 de noviembre 1885 –  5 de diciembre de 1979) Pintora y diseñadora francesa. La primera mujer  con una exposición en el Museo del Louvre  .

Junto con su marido Robert Delaunay fueron grandes representantes del arte abstracto y creadores del Simultaneísmo.

Representó también un papel fundamental en el desarrollo del Orfismo , corriente que supo expresar tanto en la pintura como en el campo del diseño de moda, tejidos y libros, entre otros.

De origen ucraniano, fue confiada, con apenas cinco años, a sus tíos maternos de San Petersburgo, de quienes recibió una educación cosmopolita.

A través de Max Liebermann  , conocido de su tío, tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. 

Dos años más tarde continuaría su formación en París en la Académie La Palette. Durante estos años sus obras reflejaron su admiración por el postimpresionismo de Vincent van Gogh  y Paul Gauguin , así como del fauvismo de Henri Matisse .

Para no abandonar Francia, Sonia contrajo matrimonio de conveniencia con el marchante alemán Wilhelm Uhde, a través del cual conoció a artistas de vanguardia como Pablo Picasso, Georges Braque o el propio Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910 tras divorciarse de Uhde.

A partir de entonces, el intercambio artístico entre ambos sería constante. Como él, se sentiría interesada por las teorías del color de Michel Eugène Chevreul  y en 1913 comenzaría su serie no figurativa Contrastes simultáneos.

Ese mismo año colaboró en la ilustración y diseño de la cubierta de La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars.

La llegada de la Primera Guerra Mundial les sorprendió en la península Ibérica y durante los años de la contienda vivió en España y Portugal. 

En 1917, tras el triunfo de la Revolución de Octubre , dejó de recibir las rentas que había percibido hasta entonces y comenzó a comercializar sus creaciones, primero en Madrid, donde abrió una tienda con sus propios diseños de moda, y en 1920, tras su retorno a París, inauguró la Boutique Simultané.

En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas  y  surrealistas  y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier. Entre sus amistades de los años de  París se encuentran Albert Gleizes, André Lhote, André Breton, y artistas como Tristan Tzara, Philippe Soupault o Joseph Delteil  que escribían poemas inspirados en las creaciones de Sonia y lucían las ropas que ella los diseñaba y confeccionaba

Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939.

Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del Arte abstracto  .

En 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre.

En 1975 fue nombrada por el estado francés Oficial de la Legión de Honor.

En 1978 publicó el libro Nuevos Irons jusqu'au soleil, donde Sonia reflexiona sobre su trabajo y el de Robert, como el matrimonio compartía una misma visión estética, expresada en unas formas similares, pero que se materializó en técnicas diferentes.

 En 1979 sufrió un accidente que redujo bastante su movilidad, sin embargo continuó pintando. Su última obra fueron unos gouaches para la gran retrospectiva organizada por el Museo Albright-Knox de Buffalo. Murió en su taller el 5 de diciembre de 1979.

Dora Maar

Dora Maar (Tours, Francia, 22 de noviembre de 1907 - París, 16 de julio de 1997) Pintora, artista plástica, fotógrafa y escultora francesa.

Su padre, Joseph Marković, era un arquitecto croata que hizo distintos proyectos en Sudamérica, y su madre, Julie Voisin, era una violinista francesa, originaria de Tours. Dora creció en Argentina.

Es conocida también  por su relación con Picasso ,a la que su familia se opuso fervientemente.

Maar tuvo una gran preparación intelectual y artística, primero en la pintura y luego en la fotografía, por la que, desde muy joven, formó parte de los círculos más vanguardistas del París de los años 20 y 30.Conoció a Henri Cartier-Bresson

En casi un millar de fotografías, tan sólo hay dos en las que sonríe. Dora era una persona callada, orgullosa, muy inteligente y de una ironía fina a veces teñida de cierta maldad. Le gustaba disfrazarse de siglos anteriores. Ése es un aspecto de ella que aparece en muchos otros collages.

Se emancipó con prontitud y se convirtió a la vez en un símbolo para la alta sociedad parisina

A finales de los años 20, Maar formaba parte del círculo de los surrealistas. Conoció a Henri Cartier-Bresson, Man Ray a Brassaï. Era amiga íntima de André, Jaques Breton, Paul Éluard y Nusch Éluard. Con George Hugnet tuvo una breve historia amorosa.

Sus fotografías de personajes de perdedores y excluidos de la sociedad eran aplaudidas y valoradas entre los expertos.

Amante del mundo de la alta costura, se movía como pez en el agua en los ambientes de la alta burguesía y entre las mesas de los cafés que frecuentaban los artistas de toda índole. Ideológicamente simpatizaba con los partidos políticos de izquierda, aunque, a diferencia de Picasso, no llegó a militar en ninguno de ellos.

Su manera de entender la fotografía y su popularidad entre los surrealistas le sirvieron a Dora para entrar en la vida de Picasso. Muy segura de sí misma en aquellos años, Dora Maar llamó la atención del artista. Ocurrió en el café Les Deux Magots. Ella se puso a jugar con una navajita que habitualmente llevaba en el bolso. Haciendo saltar la hoja entre los dedos, no detuvo el juego pese a que la sangre chorreaba por su mano. Picasso quedó hipnotizado y le pidió sus guantes moteados de sangre.

Dedicada en cuerpo y alma a Picasso, Dora documenta con su cámara la compleja realización del mural más famoso del mundo: el Guernica. Su objetivo detalla la metamorfosis de los personajes que ocupan la tela, un trabajo por el que nunca llegó a cobrar nada, ni siquiera los derechos de reproducción que tan bien le hubieran venido en sus difíciles años posteriores.

Ambos comparten amistades, veranos, viajes, trabajo y vida. Y especialmente sexo, algo en lo que Picasso parecía ser tan insuperable como en su pintura.

Pero mientras que para ella no había más mundo, él seguía viendo a otras mujeres. A sus anteriores amantes y a las nuevas. Y la bellísima y deslumbrante Dora pasó a ser la mujer desencajada, rota y llorosa que acabó ingresada en un psiquiátrico. Fue psicoanalizada por Jacques Lacan. Posteriormente, ingresó en el hospital de Sainte-Anne. Le aplicaron electroshock

En 1943 Picasso se enamoró de Françoise Gilot y para Dora se acabó el mundo. La musa divina se convirtió en una loca a la que muchos fueron abandonando. Su amigo Paul Eluard fue una de las pocas excepciones entre los que mantuvieron su amistad hasta el final.

Con el paso de los años, Dora Maar volvió a la pintura pero muy esporádicamente a la fotografía. No se le volvió a conocer ninguna relación amorosa. Para sorpresa de muchos, abrazó el catolicismo con una intensidad que ya nunca abandonaría. Después de Picasso, solo Dios.

Fuentes: Wikipedia y cultura.elpais.com

Paula Modersohn-Becker. Precursora de la vanguardia artística alemana.

Paula Modersohn-Becker (Dresde, 8 de febrero de 1876 – Worpswede, 21 de noviembre de 1907) Pintora alemana. Una de las representantes más precoces del movimiento expresionista en su país. Hoy está considerada una precursora de la vanguardia artística alemana.

Las mujeres, no tenían aún acceso a las academias de las Bellas Artes de la época, por eso Paula se va a Berlín en 1896 con el fin de seguir durante seis semanas cursos de dibujo y pintura para la Asociación de los Artistas Berlineses (Verein der Berliner Künstlerinnen). La existencia de este tipo de asociaciones era una necesidad para las mujeres que tenían inclinaciones artísticas. 

Poco después, en 1889, Paula Becker reunió a artistas independientes en el pueblo de Worpswede, no lejos de Bremen cuyo cometido era el estudio de la pintura. Aspiraban a crear un espacio con, por y para la naturaleza, como antes hiciera Théodore Rousseau con la escuela de Barbizon. Como en Francia, el objetivo era doble: trabajar «au plein air», revolucionando así la técnica pictórica, y reflejar en su obra a la población campesina, que juzgaban de una pureza aún original y no corrompida por la civilización.

Worpswede fue una colonia de artistas que predicaba un retorno a la naturaleza y a los valores simples de la gente campesina. De allí surgieron destacados artistas del impresionismo y expresionismo alemanes

El círculo de artistas de Worpswede rechazaba el academicismo de la época y la pintura en los ateliers. Sus motivos los hallaban en la naturaleza; sus colores, en la pintura al aire libre.

Allí se casó con el paisajista Otto Modersohn.

Allí también conocería a Clara Westhoff, joven aspirante a escultora, con la que le uniría desde un principio una profunda amistad .Paula y Clara pasaron juntas un año en París, en agosto retornaron a Worspede, y luego pasaron juntas el invierno en Berlín. En cuanto a la relación entre ambas, una poesía de  Adrienne Rich alude a la misma

Pero los marjales de Worpswede fueron sólo el comienzo de la trayectoria artística de Modersohn-Becker. La falta de audacia de los pintores de Worpswede, la empujaron a usar inspiraciones exteriores y a efectuar repetidas estancias a París.

 

A pesar de poco menos de catorce años de creatividad artística, el legado de Modersohn-Becker abarca 750 pinturas, trece estampas y cerca de un millar de dibujos  plenos de poesía y fuerza experimental, que reúnen ya los aspectos esenciales del arte de comienzos del siglo XX.

Al principio de su carrera pinta muchos cuadros que póstumamente la harán famosa: sendas entre blancos abedules y abigarradas casas de campesinos, lodos y turberas, con altos cielos, paisajes con lunas desvanecidas y ocasos de sol.

Mas tarde, pinta madonas, campesinas y bebés regordetes sobre almohadas cuadriculadas, escenas con niños: muchachas de ojos grades y mirada perdida, gallinas y flores. También pinta autorretratos y grandes desnudos de sí misma, toda una revolución para la época

En 1906 parte por última vez hacia París. La separación definitiva de su esposo y de Worpswede parece ser una decisión irrevocable. Rainer Maria Rilke le compra un cuadro —uno de los únicos cinco que vendió en su vida— para alentarla a quedarse en París.

En París pinta sus cuadros más modernos: saturados de color, de una gran profundidad espiritual, obras pioneras de la pintura moderna. Pero su esposo logra llevarla consigo de vuelta a Worpswede. Paula está embarazada. La maternidad, anhelada durante mucho tiempo, se hace realidad. 

Tres semanas después del nacimiento de su hija, a la que llama Matilde, muere Paula Modersohn-Becker, el 20 de noviembre de 1907, apenas cumplidos los 31 años de edad, como consecuencia de una embolia de parto.

 Su estilo, particularmente único y original, es el fruto de múltiples influencias, a los confines de la tradición y de la modernidad.

 Su pintura presenta aspectos que mezclan el impresionismo de Cézanne o Gauguin, el cubismo de Picasso, el fauvismo, el arte japonés y el renacimiento alemán. La fuerza expresiva de su obra resume sólo los principales aspectos del arte a principios del siglo XX.

Georgia O'Keeffe .Pionera en el campo de las artes visuales

Georgia O'Keeffe (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de noviembre de 1887-Santa Fe, Nuevo México, 6 de marzo de 1986) Artista estadounidense pionera en el campo de las artes visuales.

Entre 1906-1907, Georgia estudió en el School of the Art Institute of Chicago y en Nueva York donde conoció a su futuro esposo, el galerista y fotógrafo Alfred Stieglitz.

Enseñó arte en la escuela pública de Amarillo, Texas y posteriormente se perfeccionó en Columbia University con Arthur Wesley Dow.

En 1917, Alfred Stieglitz exhibió sus pinturas en su galeria. 

Contratada por la Hawaiian Pineapple Company vivió nueve meses en Hawai donde pintó flores y paisajes en Maui.

En 1929 visitó a su amiga Mabel Dodge Luhan en Taos, exploró el rudo paisaje desértico y ese verano visitó el rancho de D.H. Lawrence.

Luego pintará frescos en la iglesia de San Francisco de los Ranchos de Taos.

En 1929 visitó por primera vez Nuevo México, en esa década exploró la elaboración de pinturas con paisajes del lugar, huesos y cráneos de animales. Se estableció de manera definitiva a partir de 1946, año de la muerte de Stieglitz, con quien contrajo nupcias en 1924. La relación que tuvo con su lugar de residencia, Nuevo México, fue esencial para su obra.

Georgia O’Keeffe fue una pintora del paisaje americano, una estética  de la naturaleza en la que incluía flores del desierto.

Su obra es una exploración a sus emociones motivadas por la naturaleza. Las flores son una constante y las presenta ya sea como elemento figurativo o como punta de lanza de una abstracción puramente femenina.

Estos elementos se interpretan como yónicos (vagina o vulva); así, las flores adquieren una connotación como generadoras de vida y fuentes de reproducción en alusión a la condición femenina de fertilidad.

Los contornos difuminados de sus obras evocan imágenes abstractas. Es una pintora figurativa notable por la pureza y claridad compositivas de sus naturalezas muertas.

A lo largo de su trayectoria pintó 268 obras

Entre sus obras más destacadas están series como Jack in a Pulpit (1930) y las piezas de flores que fueron ampliadas, como “Black Iris”.

En 1962 fue elegida miembro de la American Academy of Arts and Letters y en 1977 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad.

Desde 1972 sufría de degeneración macular lo que provocó que dejara de pintar con óleos, aunque prosiguió trabajando en carbon y lápiz.

En 1985, ganó la Medalla Nacional de las Artes

En 1996 el correo le dedicó un sello postal