Purita
Campos (1937- 2019) Historietista, ilustradora y pintora española.
Está
considerada una de las autoras más populares del cómic español en el siglo XX.
Galardonada
con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
A
través de Manuel Vázquez, consiguió trabajo en la Editorial Bruguera,
primero como portadista y luego como historietista en las revistas femeninas como Dalia (1959), Sissi (1961), Blanca (1961),
dando
vida a los guiones de Philip Douglas en la serie Patty’s
World, traducida al castellano como Esther
y su mundo. Con esta serie, que duraría hasta 1988, logró una tirada
semanal de entre 300 000 y 400 000 ejemplares en varios
países del mundo.
Para
el mercado holandés, inició en 1975 otra serie de éxito, con guiones
de Andries Brandt: Tina,
protagonista de la revista homónima.
Magdalena
van de Passe (1600 - 1638) Artista grabadora de los Países Bajos. Importante
miembro de la familia Van de Passe, dedicada a ese oficio artístico.
En
vida fue muy famosa y firmó sus primeras obras a la edad de 14 años, dos años
menos que cuando empezaron sus hermanos.
Cuando tenía 33 o 34 años se
casó con el artista Frederick van Bevervoordt, pero murió dos años más tarde.
Enseñó el arte del grabado a
Como
sus hermanos, ayudó a su padre con sus proyectos de grabado. Su obra se centra
en paisajes y retratos, pero también colaboró con su hermano Willem en 65
grabados para Heroologia Anglica de Henry Holland, publicado en 1620.
Es
probable que también colaborara con su padre en las ilustraciones para la
traducción de Karel van Mander de Las metamorfosis de Ovidio, pero este
importante proyecto quedó inacabado.
Mantuvo
amistad con el pintor Adriaen van de Venne, quien le escribió un poema
dedicado, al igual que el amigo de la familia Arnold Buchelius.
También
se le concedió una patente de los Estados Generales para la fabricación de
gorros de dormir impresos con grabados de figuras populares. Aunque éstos
parecen haber sido bastante populares entonces, ningún ejemplar se conserva hoy
en día.
Magdalena
van de Passe (1600 - 1638). Miembro de la familia Van de Passe, artistas
grabadores de los Países Bajos.
Hija
del grabador Crispijn van de Passe y hermana de Simon, Crispijn II y Willem.
En
vida fue muy famosa y firmó sus primeras obras a la edad de 14 años, dos años
menos que cuando empezaron sus hermanos.
Cuando
tenía 33 o 34 años se casó con el artista Frederick van Bevervoordt, pero murió
dos años más tarde.
Enseñó
el arte del grabado a Anna Maria van Schurman.
Como
sus hermanos, ayudó a su padre con sus proyectos de grabado.
Su
obra se centra en paisajes y retratos, pero también colaboró con su hermano
Willem en 65 grabados para Heroologia Anglica de Henry Holland, publicado en
1620.
Es
probable que también colaborara con su padre en las ilustraciones para la
traducción de Karel van Mander de Las metamorfosis de Ovidio, pero este
importante proyecto quedó inacabado.
Agnes Martin (22
de marzo de 1912 - 6 de diciembre de 2004). Pintora minimalista canadiense
Martin
prefería ser considerada una expresionista abstracta, debido a la
dimensión espiritual de su trabajo. Es por eso que Agnes siempre se mantuvo
lejos del intelectualismo, destacando solo la personalidad y la espiritualidad
de la obra.
A
pesar de estar en la mira de varios artistas y productores de arte, siempre se
mantuvo distanciada de la vida pública, y en ocasiones hasta de la sociedad.
Por ello, en 1997 la revista Saturday Night la llamó «La artista realizada más
desconocida de Canadá».
A
su muerte, a los 92 años de edad, confesó no haber leído un periódico desde
hacia 50 años, ya que consideraba que esto le nublaba la mente.
El
arte abstracto de Agnes se exhibe en las principales galerías de arte de New
York, así como en Museo Whitney de Arte
Estadounidense, en la afamada galería de arte Tate
Gallery en el centro de Londres y en los centros de exposición de arte
contemporáneo más importantes del mundo.
Agnes
creó su propio estilo de trabajo, usando mayormente el acrílico. En la década
de los 1950s su trabajo evolucionó desde el expresionismo abstracto a un estilo
más personal y característico.
La
mayor parte de sus telas están divididas en celdillas cuadriculadas y, aunque
las formas sean minimalistas, reflejan aspectos personales y espirituales,
manifestando ideas taoístas.
En
varias entrevistas, al final de su vida, Agnes Martin explica que el objetivo
principal de la simplicidad de su arte se debe a que solo quiere evocar
reacciones emocionales en sus obras.
Entre
1960 y 1962 comenzó a trabajar con grafito, acuarela y aguadas de
tinta y acrílico. Sus primeros lienzos hechos con estas técnicas eran delicados
y similares a las composiciones planas de las obras de Frank
Stella.
En
muchas de sus obras representaba líneas irregulares que recorren la trama del
soporte de algodón o los clavos de latón como se puede ver en Sin título de
1962.
En
1997 recibió el premio León Dorado en la Academia de Arte de Venecia.
En
los últimos 50 años, el arte de Agnes creció en popularidad y al final de su
vida fue reconocida como una de las artistas más distinguidas de Estados
Unidos, ganando en 1998 la Medalla Nacional de las Artes del
Congreso de los Estados Unidos.
Geta
Brătescu (4 de mayo de 1926 - 19 de septiembre de 2018) Artista visual rumana
con trabajos en dibujo, collage, fotografía, performance, ilustración y cine.
En
2008, Brătescu recibió un doctorado honorario de la Universidad Nacional de
Artes de Bucarest por "sus destacadas contribuciones al desarrollo del
arte rumano contemporáneo".
Brătescu
fue directora artística de la revista de literatura y arte Secolul 21.
En
1999. Se llevó a cabo una gran retrospectiva de su trabajo en el Museo Nacional
de Arte de Rumania
En
2015, tuvo lugar la primera exposición individual de Brătescu en el Reino Unido
en la Tate Liverpool.
En
2017, fue seleccionada para representar a Rumania en la 57ª Bienal de Venecia.
Anastasia (floreció hacia 1400, París) Iluminadora
francesa de manuscritos, aparentemente especializada en los elaborados bordes
decorativos que estaban cada vez más de moda y los fondos de paisajes.
En su época, la mayoría de los manuscritos se
producían en talleres comerciales y muchos artistas eran mujeres.
La Escuela de París seguía siendo el principal
centro de iluminación en este período, y las obras parisinas se distribuyeron
ampliamente por Europa.
No se sabe nada de ella, excepto los elogios de la
escritora medieval Christine de Pisan en su obra El libro de la ciudad de las
damas (1405). Pisan la describe como la mejor iluminadora de su época en su
campo:
"Conozco a una mujer hoy, llamada Anastasia,
que es tan erudita y hábil pintando bordes manuscritos y fondos en miniatura
(viñetas d'enlumineure en livres y champaignes d'ystories) que no se puede
encontrar un artesano en toda la ciudad de París, donde se encuentran los
mejores del mundo, que pueda superarla, ni que pueda pintar flores y detalles
con tanta delicadeza como ella, ni cuya obra sea más estimada, por rica o
preciosa que sea el libro. La gente no puede deja de hablar de ella, y lo sé
por experiencia, porque me ha ejecutado varias cosas que se destacan entre las
orlas ornamentales de los grandes maestros “(Ciudad de las Damas 85) .
Gisela de Kerzenbroeck o Gisela von Kerssenbrock (Rulle
¿- 1300) Monja ilustradora del Norte de
Alemania
Trabajó la mayor parte de su vida escribiendo y
manuscritos que ilustran, además de ser choirmistress.
Gisela de Kerzenbroeck está documentada solo como la
creadora de lo que ahora se conoce como Codex Gisle o "Gradual of Gisela von Kerssenbrock", un gradual realizado para el convento cisterciense de Rulle
cerca de Osnabrück en Westfalia, y ahora en Osnabrück.
Las siguientes palabras están inscritas en una carta constitutiva del siglo XIV en el primer folio:
“La venerable y devota virgen Gisela de Kerzenbroeck
escribió, iluminó, anotó, paginó y decoró con letras de oro y bellas imágenes
este extraordinario libro en su propia memoria, en el año del Señor 1300. Que
su alma descanse en paz. Amén.”
Esta inscripción se añadió después de la muerte de
Gisela, aunque posiblemente bastante tiempo después, a juzgar por el estilo del
manuscrito.
El manuscrito contiene 52 iniciales
historiadas , dos de las cuales incluyen retratos de Gisela, marcados con títulos .
Se dice que era hija de Erwin von Steinbach,
arquitecto y maestro de obras de Notre-Dame
de Strasbourg ,la catedral de Estrasburgo.
Cuando después de la muerte de su padre, su hermano
Johann continuó construyendo la torre de la catedral de 1318 a 1339, se cree
que Sabina se empleó como hábil albañil y escultora en su finalización.
Sabina se considera tradicionalmente responsable de
las estatuas que personifican la Iglesia
y la Sinagoga (ambas del siglo XIII), que se encuentran cerca de los portales sur de
la catedral.
La tradición de Sabina como albañil en Estrasburgo,
citada constantemente, parece haber sido publicada por primera vez en 1617 por
Schadeus en su descripción de la catedral de Estrasburgo. Este entendimiento
puede haber derivado de la interpretación de una inscripción en latín, ahora
perdida, en un pergamino que sostiene la figura de San Juan. Se tradujo:
"Gracias a la piedad de esta mujer, Sabina, que me ha dado forma a partir
de esta dura piedra".
El
MoMA (Nueva York) presenta una nueva exposición de fotografía, titulada Our
Selves: Photographs by Women Artists from Helen Kornblum. La muestra reúne 90
fotografías pertenecientes a la colección del museo, las cuales en su mayoría
fueron donadas en 2021 por Helen Kornblum. Comisariada por Dana Ostrander en
colaboración con Caitlin Ryan, Our Selves toma como punto de partida la
aparente conexión entre las historias del feminismo y la fotografía,
proponiendo una serie de relatos comunes entre ambas.
En
lugar de ofrecer un recorrido cronológico a través de la historia de las
fotógrafas mujeres, la exposición atraviesa diferentes diálogos en torno a la
fotografía feminista desde una perspectiva interseccional.
De
esta forma, Our Selves reexamina los tópicos vinculados a la historia de la
fotografía en relación con el feminismo, revisándolos desde posiciones
post-coloniales y queer que puedan mostrar las jearquías representacionales de
la historia de la disciplina. La muestra incluye una gran variedad de géneros,
desde retratos a fotoperiodismo, a fotografía documental o publicitaria,
pasando por la fotografía más experimental y conceptual. Poniendo en diálogo
piezas recientes con otras icónicas imágenes del siglo XX, la muestra busca generar
nuevas perspectivas de la historia de la fotografía.https://www.moma.org/calendar/exhibitions/5350
Agnes IIo
Agnes de Meissen (1139 - 21 de enero de 1203) Miniaturista y grabadora, además
de una importante mecenas del arte
Fue miembro de la Casa de Wettin que reinó como
Princesa-Abadesa de Quedlinburg .
Durante su reinado, las monjas de la abadía de Quedlinburg hicieron grandes cortinas
que son indispensables en el estudio de la industria del arte de la época.
También escribió e iluminó libros para el
servicio divino.
Sin embargo, su mayor obra maestra fue la
fabricación de tapices, de los cuales un juego estaba destinado a ser enviado
al Papa. Este tapiz es la pieza de tejido románico mejor conservada.
Diemoth (nació alrededor de 1060 y murió el 30 de
marzo, probablemente en 1130). Escriba profesional.
Debido a su letra excepcionalmente hermosa, se la
llamó "La bella escriba".
Trabajó en 45 manuscritos desde 1075 hasta 1130.
Se la conoce también como Diemudus, Diemut, Diemud, Diemuth, Diemod
o Diemudis.
Poco se sabe sobre la vida privada de Diemoth. Salvo
que era una monja de clausura. La mayor parte de la información disponible se
basa en un biógrafo del siglo XVI. Mucho de esto debe considerarse una leyenda.
Sin embargo, su caligrafía competente muestra evidencia de formación
profesional, por lo que es probable que Diemoth llegara a Wessobrunn después de
una carrera activa como escriba profesional.
Su conocimiento del latín indica que fue educada en
un instituto eclesiástico, probablemente un doble monasterio en otra parte de
Alemania.
Diemoth se encerró en una celda contigua a la
iglesia, donde pasó el resto de su vida en oración y transcribiendo valiosos
libros.
Copió unos cuarenta y cinco volúmenes, de los cuales
los más importantes son: la Biblia ; la Moralia y otras obras de San Gregorio
Magno ; siete obras de San Agustín ; cuatro de San Jerónimo ; dos de Orígenes ;
y unas quince obras litúrgicas.
Diemoth era una gran amiga del Beato Herluka con
quien intercambió numerosas cartas mientras este último estaba recluido en el
vecino monasterio de Epfach . Las cartas se conservaron durante mucho tiempo en
el monasterio de Bernried donde Herluka pasó los últimos años de su vida, pero
lamentablemente fueron víctimas de los estragos de las fuerzas de Suecia
durante la Guerra de los Treinta Años.
Algunos de los manuscritos de Diemoth aún se
conservan en la Bayerische Staatsbibliothek en Munich, donde fueron tomados
después de la secularización de Wessobrunn en 1803.
Los
cuadros abstractos de Klint no fueron conocidos hasta 1986, ya que, por expreso
deseo de la artista, en sus últimas voluntades solicitó que sus obras no fueran
expuestas hasta al menos veinte años después de su muerte, ya que consideraba
que su obra no sería bien acogida en su época.
Nunca
participó en exposiciones ni movimientos
A
partir de 1896 Hilma af Klint junto a otras cuatro amigas formaron un grupo
llamado Las Cinco. Klint y sus amigas practicaban la escritura
y la pintura automáticas a partir de sesiones de espiritismo. Se reunían los
viernes para sesiones de meditación y espiritismo durante las cuales
practicaban la escritura automática de acuerdo con los mensajes que recibían de
unos espíritus a los que denominaban los Altos Maestros.
Durante
una de las sesiones, recibieron el encargo de los Altos Maestros de
mostrar lo que habían visto del mundo espiritual durante las sesiones con los
médiums. Las otras artistas rechazaron participar en el proyecto pero Klint
trabajó en la serie Los cuadros para el templo, sus primeras
obras abstractas, iniciada en 1906 y terminada en 1915,
compuesta por 193 obras.
En
1908 conoció a Rudolf Steiner, miembro destacado de la Sociedad Teosófica y fundador de la Antroposofía quien
cuando vio la obra le recomendó no mostrarla durante 50 años. La artista lo
limitó a 20 años.
En
1916, pintó bajo los lineamientos de la geometría abstracta la
serie Parsifal y en 1917, la serie Átomo.
En
1920, se unió a la Sociedad Teosófica
En
lo pictórico, realizó una serie de pinturas sobre las grandes religiones del
mundo.
En
1925, abandonó la pintura por completo para dedicarse a los estudios
teosóficos.
Georgiana
Houghton (Las Palmas de Gran Canaria, 20
de abril de 1814 – Londres, 1884) Artista británica y medium .
A
raíz de una exposición en el año 2016, algunos críticos de arte consideran
a esta pintora victoriana como la primera artista abstracta;
sin embargo, su arte recibió poco reconocimiento en su época por el hecho de
ser mujer y también porque dedicó su vida al espiritismo y
no hizo publicidad de su trabajo.
Era
autodidacta y empezó a producir sus dibujos "espirituales" en 1859 en
sesiones privadas. "El espíritu es quien conduce mi
mano cuando pinto sin que yo pueda hacer nada para controlarlo",
escribe Georgiana
Entre
los años 1860 y 70, produjo una sorprendente serie de acuarelas abstractas
asegurando que estaba guiada por varios espíritus, entre ellos varios artistas
del Renacimiento, así como seres angélicos.
Houghton
se asoció con el fotógrafo de espíritus fraudulento Frederick Hudson para
vender reproducciones de sus fotografías.
En
1871 con una producción de 150 obras, expuso en la New British Gallery en Bond
Street, ante el público perplejo de Londres. La exposición resultó un fracaso
comercial y la dejó en la quiebra.
Posteriormente
continuó pintando pero su trabajo no tuvo apenas repercusión pública.
Se
hizo fotógrafa en un estudio de Londres para captar con la cámara fotográfica
sombras y signos de otras vidas ajenas a la suya.
Emma
Kunz (23 de mayo de 1892, Suiza - 16 de enero de 1963 Suiza). Fue
reconocida en vida como sanadora; ella misma se describe como una investigadora.
Hoy
día ha adquirido reputación internacional a través de su trabajo artístico.
Emma
Kunz estuvo relacionada con acontecimientos excepcionales. Cuando tenía 18
años, empezó a usar sus habilidades de telepatía,
adivinación y como curandera, y comenzó a valerse de su péndulo.
Logró
éxito a través de sus consejos y tratamientos que a menudo bordearon los
límites de los milagros. Ella misma rechazó el término milagro dado que lo
atribuía a la capacidad de utilizar y activar los poderes que se encuentran
latentes en cada uno.
No
menos importante fue su descubrimiento en 1941 del poder curativo de la roca
de Würenlos que
denominó AION A.
A
partir de 1938, Emma Kunz creó dibujos a gran escala en papel cuadriculado.
Describió su trabajo creativo de la siguiente manera: "Apariencia y forma
expresadas como medida, ritmo, símbolo y transformación de figura y
principio".
Como
artista visionaria nos legó una fascinante colección de obras de arte que
codifican un conocimiento inconmensurable.
Sus dibujos son probablemente la forma más
directa de experimentar la personalidad de Emma Kunz.
Alma
Mahler (Viena, 1879–Nueva York, 1964) Compositora, editora y escritora austriaca.
Compositora
e intérprete de piano de gran talento, creativa en todas sus facetas, ha pasado
a la historia por haber sido esposa y/o amante de algunos de los artistas y
creadores más reconocidos de su época como Gustav Mahler, Walter Gropius ,
Oskar Kokoschka. Gustav Klimt, Alban Berg, o Franz Werfel entre otros artistas.
Vio
su inteligencia subestimada por la misoginia de su época.
Sobre
Alma Mahler, nacida Alma Schindler, se ha escrito mucho y se seguirá
escribiendo. Su figura, libre y alejada de los cánones de la época, sigue
resultando muy interesante hoy en día. Sin embargo, no siempre se hace justicia
con el personaje. No es raro encontrar artículos en los que el periodista de
turno se ensaña con una mujer que es tachada de ‘devorahombres’.
Alma
Mahler se rebeló contra la tradición, las formas socialmente establecidas y la
sumisión esperada de una mujer de principios del siglo XX. Aun así, pasó a la
historia fundamentalmente por ser la esposa o compañera de grandes figuras de
su época. Gustav Klimt la besó cuando ella tenía 16 años. A los 23, se casó con
Gustav Mahler, compositor y director de orquesta y, posteriormente, con el
arquitecto fundador de la Bauhaus Walter Gropius y con Franz Werfel, destacado
novelista de su época, además de mantener romances con otros artistas, como el
pintor Oskar Kokoschka.
Pero,
lejos de conformarse con el papel de musa para compositores, escritores o
pintores, Alma Mahler se convirtió en un catalizador de la creatividad de los
hombres con los que compartió su vida.
Como mujer culta y creativa, no pasaría desapercibida. Allí donde iba se
mostraba libre para hablar y opinar, lejos del rol mujer políticamente correcta
imperante en la alta sociedad de la época.
Alma
Mahler era un ejemplo de mujer que se vio limitada, por la misoginia de la
época, a ser considerada únicamente como la amante de grandes creadores: “Si
bien es cierto que era fue muy apasionada y el amor la cegó en más de una
ocasión, corregía las partituras de su marido Gustav y más tarde fue una fiel
defensora de las teorías sobre color y percepción de Josef Albers”, quien formó
parte de la Bauhaus.
Tras
enviudar, Alma Mahler se trasladó a Nueva York y consiguió liberarse de la
etiqueta de femme fatale, forjándose una reputación como referente cultural y
artístico.
Se
volcó en escribir sus memorias, Mein Leben, tituladas en inglés And the bridge
is love (Y el puente es el amor). También editó y publicó parte de las cartas
de Gustav Mahler, de las que nunca se desprendió, pese a todas las relaciones
que tuvo con otros hombres, y que siempre atesoró como el gran amor de su vida
hasta su muerte a los 85 años.