Rosalba
Carriera (7 de octubre de 1675- 15 de abril de 1757) fue una pintora italiana,
perteneciente al estilo rococó.
En
su juventud se especializó en retratos en miniatura.
Después
será conocida por su trabajo en pasteles, un medio muy apreciado en el ambiente
rococó por sus suaves perfiles y floridos toques.
Lanzó
la moda de la pintura al pastel durante su estancia en París en 1720.
En
1720 es admitida en la Academia de Bolonia.
En
1721, durante su primer viaje al extranjero a París, sus retratos tuvieron gran
demanda. Mientras estaba en París, como invitada del gran aficionado y
coleccionista de arte, Pierre Crozat, pintó a Watteau, toda la nobleza y la
realeza, desde el rey y el regente hacia abajo, y fue elegida miembro de la
Academia Francesa por aclamación.
Su
hermana, Giovanna, y su madre, formaban parte del grupo que la ayudaron en la
pintura de los cientos de retratos que la pedían.
En
1730, está en la Corte de Viena donde retrata a varios miembros de la familia
real. Fue recibida con mucho entusiasmo por gobernantes y cortesanos.
En
su vida posterior, hizo un largo viaje a la corte del rey de Polonia, donde
tuvo como alumna a la Reina. El rey reunió una amplia colección de sus obras
que más tarde formaron la base de la gran colección en la galería Altemeister
de Dresde.
Marchó
entonces a Venecia, aún ampliamente popular y con muchos encargos, y de hecho,
la persona que obtenía ingresos de la familia
Clara
de Keyser (1470-1545). Iluminadora de manuscritos flamenca.
No
existe constancia de la educación artística de Clara. Pudo haber recibido
clases en su hogar familiar como parte de su formación, pues sus padres eran burgueses ricos.
Ha
quedado registrado el permiso paterno para que Clara dispusiera del dinero
ganado con su actividad como artista.
También
está documentado que contribuyó económicamente para la formación de su hermano
Robert de Keyser
Por
lo que se deduce que Clara fue una profesional de prestigio con una buena
clientela.
Las
únicas obras que hoy en día están atribuidas a Clara de Keyser son las
iluminaciones de un manuscrito conservado en la Real Biblioteca del Monasterio
de El Escorial llamado “Libro de horas del viaje de Carlos V para ser coronado
emperador”
Datado
en 1520 en Gante y fue escrito en latín expresamente por su hermano Robert con
motivo de la travesía por mar que realizó Carlos I de España para su coronación
imperial.
El
libro estaba destinado a proteger al monarca durante su viaje quien recompensó
económicamente a sus autores y lo conservó siempre en su biblioteca.
Genevieve
Estelle Jones (1847-1879) Naturalista e ilustradora autodidacta estadounidense.
Es
conocida como «la otra Audubon»
Inspirada por la obra del ornitólogo y pintor J. J.
Audubon (1785-1851), cuyas ilustraciones de aves pudo admirar en la Exposición
Universal de Filadelfia de 1876, Genevieve descubrió que no existía ningún
trabajo científico sobre nidos y huevos de aves de Norteamérica.
Comenzó
entonces a dibujar las ilustraciones de lo que sería su único libro “Illustrations
of the Nests and Eggs of Birds of Ohioque”en el que identifica nidos y huevos
de las 130 especies de aves que anidaban en Ohio.
Logró
completar cinco de estas ilustraciones (zorzal, azulejo índigo, tirano
oriental, mosquero fibi y reinita de manglar) antes de fallecer por fiebre
tifoidea.
Su
familia completó el resto de las ilustraciones.
Antonia
de Bañuelos y Thorndike (Roma, 17 de julio de 1855 - 1921) Retratista, pintora
costumbrista y escultora española.
Antonia
de Bañuelos es una pintora costumbrista. Los géneros pictóricos más habituales
de esta artista eran los temas amables, tales como: bodegones, paisajes,
escenas de ámbito familiar, etc.
Destacó
por sus retratos y primordialmente por los retratos de niños.
En
1878 presentó en los Salones de París con varios retratos y, en años sucesivos,
con Unos mendigos, Una guitarrista, Un retrato, Les Petits pêcheurs, Retrato de
Mademoiselle de L.A., Enfant endormi.
El
primer reconocimiento importante fue en 1900 cuando obtuvo una medalla de
bronce en la Exposición Universal de París, recibiendo también tres premios en
las exposiciones realizadas en Madrid.
En
1903 presentó “Trois Portraits” en la exposición de la Société des Amis des
Arts de Bayonne-Biarritz , en los salones de la alcaldía de Bayonne.
En
1905 presentó “Portrait de la Reine Nathalie de Serbie” en la exposición de la
Société des Amis des Arts de Bayonne-Biarritz, en el Foyer del Teatro de
Bayonne.
Según
Lucía Romero Segura, el óleo "El despertar de un niño" con su
tratamiento del color y la perfecta anatomía del pequeño nos adentran en el
estudio del desnudo, que la artista realiza con una gran factura, proporción y
composición.
Premios
Entre los diversos reconocimientos recibidos, destaca la medalla de
bronce obtenida en la Exposición Universal de París de 1900
Las
hermanas escocesas pioneras del Art Nouveau. Margaret y Frances MacDonald,
estuvieron entre los artistas que sentaron los principios estéticos del Art
Nouveau en los apasionantes primeros compases del siglo XX, el siglo de las
grandes vanguardias en el arte
Margaret
Macdonald, (5 de noviembre de 1864- 7 de enero de 1933) Pintora, ilustradora y
decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano
al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del
grupo fueron su marido, Charles Rennie Mackintosh, su hermana Frances
Macdonald y el marido de esta, Herbert MacNair, también
conocidos como The Four (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente
en arquitectura
y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de
Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también
conocido como Art Nouveau en Francia o Modern
Style en Reino Unido—.
Frances
Macdonald (24 de agosto de 1873- 12 de diciembre de 1921) Pintora, ilustradora
y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow.
Las
hermanas escocesas pioneras del Art Nouveau. Margaret y Frances MacDonald,
estuvieron entre los artistas que sentaron los principios estéticos del Art
Nouveau en los apasionantes primeros compases del siglo XX, el siglo de las
grandes vanguardias en el arte
Mientras
en Europa un nuevo arte (y de ahí su nombre) tomaba forma, una escuela que
utilizaba elementos naturales, siluetas de plantas y motivos mitológicos como
inspiración, los cuatro artistas escoceses estudiaban arte en la Escuela de
Arte de Glasgow —de ahí su sobrenombre “los cuatro de Glasgow” (Glasgow four).
Inspirados,
entre otras cosas, en la espiritualidad celta y el puritanismo victoriano,
crearon piezas gráficas que abundaban en siluetas alargadas y graciosas, usando
paletas oníricas y etéreas que además mostraban elementos tempranos del arte
moderno, como el uso de simetrías y de figuras geométricas.
Mientras
que en aquella época las mujeres que estudiaban arte lo hacían por placer
personal (o tal vez, para sostener charlas llevaderas a la hora del té), ellas
hicieron de su arte una forma de vida, una actividad que las llevó a ser
exitosas, tanto comercial como intelectualmente, y por lo tanto, profundamente
revolucionarias.
Al
terminar sus estudios, Frances y Margaret abrieron su propio taller; sus
carteles, anuncios, acuarelas, su trabajo en metal y textiles se vendían
prolíficamente, y sus piezas fueron expuestas en toda Europa. Además de
deslumbrar por su trabajo, estas artistas también fueron conocidas por su fraternidad:
muchas de sus obras tempranas están firmadas por ambas y, en el caso de algunas
otras piezas, ellas nunca supieron decir quién de las dos la había hecho.
Más
tarde, cuando las hermanas MacDonald se casaron, Frances y Herbert se mudaron a
Liverpool donde hicieron una vida académica, familiar, y siguieron produciendo
piezas casi exclusivamente para su hogar.
Por
su parte, Margaret y Charles se quedaron en Glasgow, donde él habría de
convertirse en un famoso arquitecto y diseñador de muebles. A pesar de que hoy
en día la figura más recordada es, precisamente, Charles Mackintosh, él y
Margaret, además de ser pareja, fueron colegas durante toda su vida.
Etéreas
y casi místicas, las piezas de Margaret y Frances influenciaron profundamente
la obra de otros artistas del periodo como Hoffmann, Moser e incluso, Gustav
Klimt —hombres que hoy son mucho más conocidos que las hermanas MacDonald.
La
cuna del Art Nouveau, entonces, era Viena y estas artistas vivían a una
distancia demasiado grande para mantenerse en el centro del movimiento. Sin
embargo, la delicadeza, fuerza y, sobre todo, la originalidad de sus creaciones
fueron en parte responsables de uno de los estilos más encantadores de la
modernidad europea.
Evelyn
De Morgan (Londres, 30 de agosto de 1855- 2 de mayo de 1919) Pintora inglesa
prerrafaelista integrante del movimiento de la Hermandad Prerrafaelita.
A
pesar de pertenecer a este grupo, por las características de su obra se la
definía también como simbolista.
Florine
Stettheimer (19 de agosto de 1871-11 de mayo de 1944) Pintora modernista,
feminista, diseñadora teatral, poeta y salonniére estadounidense.
Muchas
de las pinturas de Stettheimer demuestran que se opuso firmemente a la idea del
matrimonio, creyendo como muchas feministas que obstruía la libertad de las
mujeres e interfería en la creatividad.
Desarrolló
un estilo de pintura teatral que representa a su familia, amigos y experiencias
de la ciudad de Nueva York.
Pintó
el primer autorretrato feminista desnudo.En
1912, en una visita al Museo del Prado de Madrid descubrió La
maja desnuda de Goya.
Esta obra le causó tal impresión que posteriormente, en 1915, a la edad de 45 años,
la utilizó como inspiración para crear un autorretrato suyo totalmente desnuda.
De esta forma, A Model (1915-16) se convirtió en el primer autorretrato
desnudo creado por una mujer del que hay constancia en la historia del arte.
Ejecutó
pinturas con temas controvertidos de raza y preferencia sexual.
Escribió
poesía humorística, además de diseñar varias escenografías (teatro, ballet).
Las
interpretaciones de los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev en París en 1912 fueron una
influencia clave en la pintura de Stettheimer.
Cautivada
por la puesta en escena y la coreografía, creó el libreto, los vestuario y los
decorados para una ópera propia: Orphée des Quat'z Arts.
Las maquetas resultantes, con sus personajes
disfrazados hechos de materiales intrincadamente cosidos y con cuentas,
muestran movimientos teatrales, activos, de baile y personalidades
individualizadas.
Muchas
de las figuras femeninas de estos diseños llevan un material transparente
recién inventado: celofán. El uso del celofán se convirtió en el sello
distintivo de su diseño interior
Durante
su regreso a los Estados Unidos, Stettheimer decidió rechazar su formación
académica tradicional y crear un nuevo estilo de pintura, capturando las
emociones inmediatas y expresivas que sentía al ver las vistas, los sonidos y
la gente de la ciudad de Nueva York del siglo.
Las
Stetties -así eran conocidas las tres hermanas Stettheimer en los
ambientes cultos de la ciudad- organizaron reuniones en su vivienda de
Manhattan a las que acudían figuras del modernismo estadounidense como Georgia
O’Keeffe, Marcel Duchamp, Henry McBride o Carl
Van Vechten.
Un
aspecto único del salón Stettheimer era que sus numerosos amigos y conocidos
homosexuales y bisexuales no necesitaban disfrazar su orientación sexual en las
reuniones, a pesar de que relaciones homosexuales eran ilegales en Nueva York
en ese momento.
La
década de 1920 fue el período más productivo de Stettheimer. Pintó una serie de
retratos individuales de amigos varones, de su familia y de ella misma.
A
partir de 1929, y continuando hasta mediados de la década de 1940, Stettheimer
pintó cuatro obras monumentales tituladas Pinturas de la Catedral o Cathedral
paintings. Conmemoró en estos lo que ella consideraba los principales
"santuarios" de la ciudad de Nueva York: los nuevos distritos de
teatro y cine de Times Square y Broadway; Wall Street como el centro de las
finanzas y la política; las tiendas y la sociedad de clase alta de la Quinta
Avenida
Marie
Laurencin (París, Francia, 31 de octubre de 1883 - 8 de junio de 1956) Pintora,
grabadora y diseñadora teatral francesa de la vanguardia cubista vinculada con
el grupo Section d´Or.
Las
obras de Laurecin incluyen pinturas, acuarelas, dibujos y grabados. Aunque ella
no se consideraba cubista, hoy en día es conocida como una de las pocas mujeres
que integraron este movimiento.
Después
se mudaría a País para tomar clases de dibujo en la escuela de arte municipal
de París y en la Académie Humbert (1903-1904),
donde conoció a Georges Braque, uno de los fundadores del Cubismo
Ese
mismo año, Picasso la presentó a Guillaume Apollinaire, con el que mantendría
una relación que duraría hasta 1912 y en la que ambos se influenciaron
artística e intelectualmente.
Aunque
en un principio se interesó por el Fovismo, Marie
Laurencin comenzó a simplificar las formas en su pintura influenciada por el
Cubismo, aunque nunca se adscribió a esta corriente estilística.
Su
estilo pictórico comprendió un empleo de colores fluidos y suaves, la
simplificación de la composición y la predilección por formas femeninas
alargadas que le permiten ocupar un lugar privilegiado en el París de los años
1920.
