Lilla Cabot Perry y el Impresionismo

Lilla Cabot Perry (Boston, 13 de enero de 1848—28 de febrero de 1933) Artista estadounidense representante del  impresionismo.

 Cabot Perry  pintó retratos y paisajes en la manera libre de su mentor, Claude Monet. 

Aunque provenía de una familia con dinero, Perry se basó en sus pinturas a lo largo de toda su vida para proporcionar a su familia el sustento con el que sobrevivir.

Comenzó su carrera como una artista sin formación – no empezó su educación formal hasta los 36 años-

En 1884 Perry comenzó su formación artística con el retratista Alfred Quentin Collins, que había estudiado en la Académie Julian de París con Léon Bonnat.

Sin embargo, hasta 1885 no encontró un artista que verdaderamente inspirara su estilo personal. Ese año trabajó con Robert Vonnoh, un artista que trabajaba en el estilo impresionista al aire libre en Grez-Sur-Loing en Francia. La obra de Vonnoh representaba una marcada diferencia con el estilo formal que Perry había conocido hasta entonces, y es esta experiencia la que plantó las semillas para la dedicación de Perry al impresionismo durante el resto de su vida.

En 1885 acudió a clases con Dennis Bunker en la prestigiosa Escuela de Arte Cowles de Boston, donde aprendió «teorías liberales» en la creación de un arte realista, teorías que Perry aceptó grandemente, era una pintora especial

Su vida le proporcionó innumerables experiencias que formaron grandemente su estilo y la temática de su obra. Desde sus primeras influencias por parte de la filosofía de Ralph Waldo Emerson y su amistad con Camille Pissarro a su formación posterior con artistas del impresionismo, realismo, simbolismo y el movimiento realista social alemán - las influencias de Perry tenían muchas facetas

El resultado de esta mezcla de movimientos artísticos y estilos es una obra que está marcada por una elegante presentación del color, la luz y la vida.

A lo largo de su carrera como artista, Perry se vio hondamente involucrada en las comunidades artísticas de todas las ciudades en las que vivió y promovió activamente el estilo impresionista. Las pasiones de Perry no desaparecieron con el tiempo. No le gustaban las tendencias de vanguardia de principios de siglo. 

En 1922 tuvo su primera exposición individual, en la Galería Braus de la Avenida Madison (Nueva York).

Paula Modersohn-Becker. Precursora de la vanguardia artística alemana.

Paula Modersohn-Becker (Dresde, 8 de febrero de 1876 – Worpswede, 21 de noviembre de 1907) Pintora alemana. Una de las representantes más precoces del movimiento expresionista en su país. Hoy está considerada una precursora de la vanguardia artística alemana.

Las mujeres, no tenían aún acceso a las academias de las Bellas Artes de la época, por eso Paula se va a Berlín en 1896 con el fin de seguir durante seis semanas cursos de dibujo y pintura para la Asociación de los Artistas Berlineses (Verein der Berliner Künstlerinnen). La existencia de este tipo de asociaciones era una necesidad para las mujeres que tenían inclinaciones artísticas. 

Poco después, en 1889, Paula Becker reunió a artistas independientes en el pueblo de Worpswede, no lejos de Bremen cuyo cometido era el estudio de la pintura. Aspiraban a crear un espacio con, por y para la naturaleza, como antes hiciera Théodore Rousseau con la escuela de Barbizon. Como en Francia, el objetivo era doble: trabajar «au plein air», revolucionando así la técnica pictórica, y reflejar en su obra a la población campesina, que juzgaban de una pureza aún original y no corrompida por la civilización.

Worpswede fue una colonia de artistas que predicaba un retorno a la naturaleza y a los valores simples de la gente campesina. De allí surgieron destacados artistas del impresionismo y expresionismo alemanes

El círculo de artistas de Worpswede rechazaba el academicismo de la época y la pintura en los ateliers. Sus motivos los hallaban en la naturaleza; sus colores, en la pintura al aire libre.

Allí se casó con el paisajista Otto Modersohn.

Allí también conocería a Clara Westhoff, joven aspirante a escultora, con la que le uniría desde un principio una profunda amistad .Paula y Clara pasaron juntas un año en París, en agosto retornaron a Worspede, y luego pasaron juntas el invierno en Berlín. En cuanto a la relación entre ambas, una poesía de  Adrienne Rich alude a la misma

Pero los marjales de Worpswede fueron sólo el comienzo de la trayectoria artística de Modersohn-Becker. La falta de audacia de los pintores de Worpswede, la empujaron a usar inspiraciones exteriores y a efectuar repetidas estancias a París.

 

A pesar de poco menos de catorce años de creatividad artística, el legado de Modersohn-Becker abarca 750 pinturas, trece estampas y cerca de un millar de dibujos  plenos de poesía y fuerza experimental, que reúnen ya los aspectos esenciales del arte de comienzos del siglo XX.

Al principio de su carrera pinta muchos cuadros que póstumamente la harán famosa: sendas entre blancos abedules y abigarradas casas de campesinos, lodos y turberas, con altos cielos, paisajes con lunas desvanecidas y ocasos de sol.

Mas tarde, pinta madonas, campesinas y bebés regordetes sobre almohadas cuadriculadas, escenas con niños: muchachas de ojos grades y mirada perdida, gallinas y flores. También pinta autorretratos y grandes desnudos de sí misma, toda una revolución para la época

En 1906 parte por última vez hacia París. La separación definitiva de su esposo y de Worpswede parece ser una decisión irrevocable. Rainer Maria Rilke le compra un cuadro —uno de los únicos cinco que vendió en su vida— para alentarla a quedarse en París.

En París pinta sus cuadros más modernos: saturados de color, de una gran profundidad espiritual, obras pioneras de la pintura moderna. Pero su esposo logra llevarla consigo de vuelta a Worpswede. Paula está embarazada. La maternidad, anhelada durante mucho tiempo, se hace realidad. 

Tres semanas después del nacimiento de su hija, a la que llama Matilde, muere Paula Modersohn-Becker, el 20 de noviembre de 1907, apenas cumplidos los 31 años de edad, como consecuencia de una embolia de parto.

 Su estilo, particularmente único y original, es el fruto de múltiples influencias, a los confines de la tradición y de la modernidad.

 Su pintura presenta aspectos que mezclan el impresionismo de Cézanne o Gauguin, el cubismo de Picasso, el fauvismo, el arte japonés y el renacimiento alemán. La fuerza expresiva de su obra resume sólo los principales aspectos del arte a principios del siglo XX.

Georgia O'Keeffe .Pionera en el campo de las artes visuales

Georgia O'Keeffe (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de noviembre de 1887-Santa Fe, Nuevo México, 6 de marzo de 1986) Artista estadounidense pionera en el campo de las artes visuales.

Entre 1906-1907, Georgia estudió en el School of the Art Institute of Chicago y en Nueva York donde conoció a su futuro esposo, el galerista y fotógrafo Alfred Stieglitz.

Enseñó arte en la escuela pública de Amarillo, Texas y posteriormente se perfeccionó en Columbia University con Arthur Wesley Dow.

En 1917, Alfred Stieglitz exhibió sus pinturas en su galeria. 

Contratada por la Hawaiian Pineapple Company vivió nueve meses en Hawai donde pintó flores y paisajes en Maui.

En 1929 visitó a su amiga Mabel Dodge Luhan en Taos, exploró el rudo paisaje desértico y ese verano visitó el rancho de D.H. Lawrence.

Luego pintará frescos en la iglesia de San Francisco de los Ranchos de Taos.

En 1929 visitó por primera vez Nuevo México, en esa década exploró la elaboración de pinturas con paisajes del lugar, huesos y cráneos de animales. Se estableció de manera definitiva a partir de 1946, año de la muerte de Stieglitz, con quien contrajo nupcias en 1924. La relación que tuvo con su lugar de residencia, Nuevo México, fue esencial para su obra.

Georgia O’Keeffe fue una pintora del paisaje americano, una estética  de la naturaleza en la que incluía flores del desierto.

Su obra es una exploración a sus emociones motivadas por la naturaleza. Las flores son una constante y las presenta ya sea como elemento figurativo o como punta de lanza de una abstracción puramente femenina.

Estos elementos se interpretan como yónicos (vagina o vulva); así, las flores adquieren una connotación como generadoras de vida y fuentes de reproducción en alusión a la condición femenina de fertilidad.

Los contornos difuminados de sus obras evocan imágenes abstractas. Es una pintora figurativa notable por la pureza y claridad compositivas de sus naturalezas muertas.

A lo largo de su trayectoria pintó 268 obras

Entre sus obras más destacadas están series como Jack in a Pulpit (1930) y las piezas de flores que fueron ampliadas, como “Black Iris”.

En 1962 fue elegida miembro de la American Academy of Arts and Letters y en 1977 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad.

Desde 1972 sufría de degeneración macular lo que provocó que dejara de pintar con óleos, aunque prosiguió trabajando en carbon y lápiz.

En 1985, ganó la Medalla Nacional de las Artes

En 1996 el correo le dedicó un sello postal

Zinaída Yevguénievna Serebriakova.Una de las pintoras de Rusia más reconocidas.

Zinaída Yevguénievna Serebriakova (Neskuchnoye,Ucrania, 10 de diciembre de 1884-París, 19 de septiembre de 1967).Es una de las pintoras de Rusia más reconocidas.

Para Zinaída dedicarse a las artes fue muy fácil ya que  pertenecía a la artística familia de Benois. Su abuelo, Nicholas Benois, fue un famoso arquitecto, presidente de la Sociedad de Arquitectos y miembro de la Academia Rusa de Ciencias. Su tío, Alexandre Benois, fue un famoso pintor, fundador del grupo de arte Mir iskusstva. Su padre, Yevgeny Nikolayevich Lanceray, fue un conocido escultor y su madre, que era la hermana de Alexandre Benois, tenía predilección para el dibujo. Uno de los hermanos Zinaída, Nikolay Yevgenyevich Lanceray, fue un arquitecto de talento, y su otro hermano, Yevgeny Yevgenyevich Lanceray, tuvo un lugar importante en el arte ruso y soviético como un maestro de la pintura monumental y arte gráfico. 

En 1900 entró en la escuela de arte fundada por la princesa M. K. Tenisheva.

En 1901 estudió bajo la tutela de Iliá Repin.

Entre 1903 y 1905 estudió bajo las indicaciones del retratista Osip Braz.

Entre 1902-1903 pasó un tiempo en Italia.

 Desde 1905-1906 estudió en la Académie de la Grande Chaumière en París.

Obras:

Sus primeras obras, Country Girl (1906,) y Orchard in Bloom (1908), son el resultado de su aguda conciencia de la belleza de la tierra rusa y su gente.

En 1910,el reconocimiento del público llega con Autorretrato de Serebriakova (1909), mostrado por primera vez una gran exposición organizada por artistas de Rusia.

El autorretrato fue seguido por Chica bañándose (1911), un retrato de Yevgeny Nikolayevich Lanceray (1911), y un retrato de la madre del artista Yekaterina Lanceray(1912), obras ya maduras y estrictas en la composición.

En 1911 se unió al movimiento Mir iskusstva, pero se destacó de los demás miembros del grupo debido a su preferencia por los temas populares y por la armonía, la plasticidad y la naturaleza generalizada de sus pinturas.

De 1914 a 1917, Zinaída Serebriakova estaba en su mejor momento. Durante estos años produjó una serie de fotografías sobre el tema de la vida rural de Rusia, el trabajo de los campesinos y el campo de Rusia, que fue muy apreciada sentimentalmente para ella: Campesinos (1914-1915), Chica campesina dormida .La más importante de estas obras fue Blanqueando ropa (1917), que puso de manifiesto el talento sorprendente de Zinaída Serebriakova como artista, retratando a las mujeres campesinas, a la luz del cielo.

Cuando en 1916 le realizaron el encargo a Alexander Benois de decorar la Estación Kazansky en Moscú, invitó a Yevgeny Lanceray, Boris Kustódiev, Mstislav Dobuzhinsky, y Zinaída Serebriakova para ayudarlo.

Serebriakova tomó el tema del Oriente: India, Japón, Turquía y Siam que  representa alegóricamente en forma de mujeres hermosas. Al mismo tiempo comenzó a hacer composiciones sobre temas de la mitología clásica, pero quedaron inconclusas.

Con el estallido de la Revolución de Octubre en 1917, Serebriakova se quedó sin ninguna fuente de ingreso, responsable de sus cuatro hijos y su madre enferma. Tuvo que renunciar a la pintura al óleo en favor de las técnicas menos costosas de carbón y lápiz. Este fue el momento de su pintura más trágica, Castillo de naipes, que representa a sus cuatro hijos huérfanos.

En el otoño de 1924, Serebriakova fue a París, tras haber recibido un encargo para un mural decorativo de gran tamaño. Al finalizar este trabajo, tenía la intención de volver a la Unión Soviética, donde su madre y los cuatro niños permanecieron. Sin embargo, ella no pudo regresar, y aunque fue capaz de llevar a sus hijos más jóvenes, Alexandre y Catalina, a París en 1926 y 1928, respectivamente, no pudo hacer lo mismo con sus dos hijos mayores, Evgenyi y Tatiana, y no los volvió a ver durante muchos años.

En 1928 y 1930 Zinaída Serebriakova viajó a África, visitando Marruecos. Estaba fascinada por los paisajes del norte de África y pintó los montes Atlas, así como las mujeres árabes y los africanos con su ropa étnica.

También pintó un ciclo dedicado a los pescadores bretones.

En 1966 las obras de Zinaída Serebriakova se pudieron exhibir en la Unión Soviética en Moscú, Leningrado y Kiev, con gran éxito.

Mary Cassatt y el Impresionismo

 

Mary Cassatt (Pensilvania, 22 de mayo 1844 - 14 de junio 1926) Pintora y grabadora estadounidense.

Mary Cassatt fue descrita por Gustave Geffroy como una de «las tres grandes damas» del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.

Pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista.

Es probable que su primer contacto con los artistas franceses Ingres, Delacroix, Corot y Courbet fuera en la Exposición Universal de París de 1855. En la exposición estuvieron, también, Degas y Pissarro, quienes más tarde serían sus colegas y mentores

Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

Cursó estudios en la Academy of Fine Arts de Pennsylvania (1861-1865).

Entre 1866 y 1874 estudió y pintó por Italia, Holanda y España, finalmente se instala en París, donde residió hasta la fecha de su fallecimiento.

Admiradora desde su infancia  de Velázquez y Rembrandt, recibió influencias en su estilo del arte japonés.

En 1879 partició en la exposición impresionista. Cassatt mostró once obras. Aunque los críticos afirmaron que los colores de Cassatt eran demasiado brillantes y que sus retratos eran demasiado precisos para ser halagadores, su trabajo no fue atacado ferozmente como el de Monet, cuyas circunstancias eran las más desesperadas de todos los impresionistas del momento.

Participó en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881 y continuó siendo un miembro activo del círculo impresionista hasta 1886.

En 1886, Cassatt presentó dos cuadros para la primera exposición impresionista en los EE.UU, organizada por Paul Durand-Ruel.

Cassatt hizo, también, varios retratos familiares en este período, entre ellos el Retrato de Alexander Cassatt y su hijo Robert Kelso (1885) que está considerado como una de sus mejores obras.

El estilo de Cassatt evolucionó a partir de allí y se fue alejando del impresionismo en busca de un enfoque más sencillo.

Comenzó a exponer sus obras en galerías de Nueva York. Después de 1886, Cassatt se dejó de identificar con cualquier movimiento de arte y experimentó con variedad de técnicas

Es reconocida por sus luminosos retratos de mujeres y niños como The Morning Toilet (1886) y Mother Feeding a Child (1898).

En 1914, tras sufrir varias enfermedades como la diabetes o el reumatismo, Mary quedó prácticamente ciega de unas cataratas. Esto no le impidió apoyar los movimientos sufragistas que luchaban por los derechos de las mujeres. Les donó hasta 18 cuadros.

Recibió la Legión de Honor francesa.